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Ronda Guitar House

Ronda Guitar House

Paco SecoPues quedaros con este nombre Ronda Guitar House, así se llama el nuevo espacio dedicado al mundo de la guitarra y algo más de la mano de Paco Seco, compositor y concertista de guitarra que tiene mucha más sabiduría y experiencia de la que en principio nos enseña.

Ronda Guitar House

Ronda Guitar House

Desde que conocí a Paco hace unos 10 años no ha parado de sorprenderme, tanto por su carácter y personalidad, arroya con su simpatía y energía allá por donde pasa, así como por todos los palos musicales que toca y conoce.

Muy pocos conocéis que tiene un disco precioso de Panderos o Frame Drums llamado Pan Eros por ejemplo, su repertorio para desde la barroca a la contemporánea pasando por músicas del mundo, andalusí o tendencias jazzísticas, su listado de certámenes, galas, conciertos y premios son muy largas, en los enlaces que os dejo tenéis todo acerca de él.

Paco Seco en Concierto

Paco Seco en Concierto

Ahora y para sorpresa de todos se ha embarcado en este nuevo proyecto creando Ronda Guitar House que pretende convertirse en uno de los sitios de referencia en España del mundo de la guitarra, es un todo en uno, encontraremos un museo con su colección de instrumentos del mundo con entrada libre ¡Olé!, exposiciones de temas musicales evidentemente, una escuela, una tienda especializada en guitarra y una pequeña sala de conciertos en las que disfrutaremos por supuesto de sus creaciones, así como una programación con otros músicos de diferentes estilos que está preparando.

Museo Ronda Guitar House

Museo Ronda Guitar House

Ronda Guitar House está ubicado en el pueblo que le da nombre Ronda (Málaga), lugar de vista obligada para todos los que hacen turismo por la provincia, no todo son chiringuitos y playas, si buscas algo de cultura, no puede dejar de visitarles. Ellos van a tener un horario muy amplio desde Lunes a Sábado de 11:00h a 23:00h. podéis concertar visitas guidas y por supuesto apuntaros a esos conciertos.

Ronda Guitar House (Málaga)

Ronda Guitar House (Málaga)

Le deseamos mucha suerte, nosotros os seguiremos contando y enseñando las cosas que pasen por este lugar tan chulo que acaba de montar que desde mañana abre sus puertas.

No dejéis de ver sus webs que están muy bien hechas y tienen mucha música para disfrutar…

http://www.rondaguitarhouse.com/

http://www.pacoseco.com/

 

 

 

 

Shahukachi con Rodrigo Rodriguez y Jacomina Kistemaker

Shahukachi con Rodrigo Rodriguez y Jacomina Kistemaker
Rodrigo Rodríguez

Rodrigo Rodríguez

Este post que titulo así Shahukachi de Rodrigo Rodríguez bien lo podía haber empezado a escribir como Rodrigo Rodríguez y su Shahukachi, pues este es uno de esos instrumentos que están ligados muy profundamente a los músicos que los tocan, pienso que tanto que realmente forman uno.

Años de estudio y el uso del instrumento como meditación llevan a este matrimonio, pero vamos a hablar un poquito acerca de esta flauta de caña y luego

Shahukachi flute

Shahukachi flute

de los protagonistas de hoy, Rodrigo y Jacomina.

El “Shakuhachi”  es una flauta japonesa de caña de bambú con digitaciones simples, con 4 orificios al frente, 1 en la parte posterior y una embocadura cortada oblicuamente en la superficie del bambú, por el extremo superior, para ser tocada de forma vertical.

Para llegar a construir el instrumento es necesario un proceso parecido al de los Ney persas, la caña es cortada desde su raíz, una vez limpia y preparada lleva un proceso de secado de varios años hasta su construcción final.

Shahukachi boquilla

Shahukachi boquilla

Generalmente tienen una escala pentatónica y técnicas especiales que involucran movimientos de la cabeza, coberturas parciales y cambios en la embocadura y el interior de la boca, que producen una cantidad de sonidos intermedios que incluyen intervalos que en occidente se denominarían microtonales.

El nombre shakuhachi significa “1,8 pies”, refiriéndose a su longitud. Se trata de una palabra compuesta por dos vocablos:

 

“shaku”  que es una medida de longitud arcaica usada en Japón, equivalente a 30,3 centímetros y subdivisible en diez fracciones denominadas SUN. Y “hachi” que significa 8.

Así, “shaku-hachi” significa “un shaku con ocho” (equivalente a unos 55 centímetros), que es la longitud estándar de un shakuhachi. Otros shakuhachi varían su longitud desde aproximadamente 1,3 shaku hasta los 3,3 shaku (cuanto más largo es el shakuhachi, más grave es el sonido). Aunque los tamaños varien, todos son del

denominados genéricamente como “shakuhachi”.

Shahukachi Nara

Shahukachi Nara

Del origen hay varias teorías, una de las más extendidas cuenta que durante el periodo Nara (s. VIII) fue introducido como instrumento desde China hacia Japón. Al comienzo se utilizo para la música cortesana Gagaku (Música para la corte). Y a comienzos del periodo Edo, durante el siglo XVI, los komuso, grupo de monjes itinerantes de la secta Fuke practicantes del budismo Zen, desarrollaron una práctica de meditación sonora.

Monje Shahukachi

Monje Shahukachi

A esta práctica de meditación individual, que consistía en meditar mientras soplaban ciertos sonidos en un shakuhachi la llamaron “suizen”. Las notas no eran improvisadas, requieren una técnica y concentración para llegar a la iluminación a través del sonido. El shakuhachi no era considerado un instrumento musical, sino una práctica religiosa budista el “hooki”.

Si tenéis curiosidad buscar es fácil encontrar más información, por no aburriros no os cuento las otras teorías de su origen…

Vamos con nuestros protagonistas de hoy…

Rodrigo Rodríguez es un compositor, maestro y músico de shakuhachi hispano-argentino, además de musicólogo y divulgador especializado en diversos estilos musicales de shakuhachi.

Rodrigo ha vivido y estudiado shakuhachi en Tokio bajo la disciplina del maestro Kakizakai Kaoru en “The International Shakuhachi Kenshunkan School” y con Kohachiro Miyata uno de los líderes del shakuhachi en Japón.

Rodrigo ha actuado, en escenarios legendarios como “Imperial Hotel Tokyo”, eventos de la “NHK”, y en el templo Kōtoku-in de la “Gran Buda” de la ciudad de Kamakura y publicado varios discos desde el año 2006, el último coincidiendo con el año dual Japón-España se llama “The Road of Hasekura Tsunenaga” haciendo un homenaje a este embajador japonés y samurái: Hasekura Rokuemon Tsunenaga (1571-1622).

The Road of Hasekura Tsunenaga

The Road of Hasekura Tsunenaga

A pesar de todas esas actuaciones en lugares importantes Rodrigo dedica una parte de su tiempo a la divulgación de este instrumento, acudiendo allí donde le reclamen, nosotros nos conocimos en unas jornadas organizadas por la Asociación Instrumenta donde nos dio un pequeño concierto y unas nociones de esta flauta. Afincando en Coruña donde conoce a Jacomina y surgen sus colaboraciones.

Jacomina Kistemaker

Jacomina Kistemaker

De Jacomina Kistermaker, tenemos para hablar un post entero dedicado a ella, pues su recorrido y currículum es bien largo. Se queda en el tintero para otra ocasión…

Pero os adelanto algunas cosas.

Jacomina Kistermaker de origen Holandés y psicóloga de profesión,  lleva muchos años dedicada a terapias de sonido y crecimiento interior, de hecho es una de las pioneras en España de estas técnicas.

Tras la muerte de su padre en 1990 deja todo otra vez, para embarcarse en un largo viaje por tierra y mar, cruzando el Atlántico en barco de vela, dejando “maestros”, libros y cursos para sentir y escuchar su propia verdad. De estas, encuentra en Galicia frente a las Islas de Cíes su nuevo hogar y donde emprender lo que será el germen del actual Centro Punta Couso.

Jaconina Kistemaker talleres

Jaconina Kistemaker talleres

Allá desarrolla su puente entre la psicología y la espiritualidad a través del Sonido con cuencos tibetanos, gongs, monocordes y voz. Imparte sus conocimientos y experiencias en Formaciones de Sonido para profesionales, talleres de Sonido y Crecimiento Personal, de Gongs Tam Tam y de monocordes, consultas y conciertos en el propio Centro y en otro lugares de España y el extranjero. Sus enseñanzas están basadas en la integración de sus conocimientos de técnicas occidentales y orientales con su propia experiencia de vida.

Ambos están empezando una serie de conciertos este verano llevándonos a momentos de paz y espiritualidad tan carentes hoy día.

Os dejo los enlaces a sus webs, si podéis no faltéis seguro que si estas interesado en estas cosas y músicas tenéis que verlos…

Jacomina Kistemar-Rodrigo Rodriguez

Jacomina Kistemar-Rodrigo Rodriguez

Nosotros allí estaremos para contaros, a ellos gracias por vuestra dedicación y compartirlo con todos…. Estos son los conciertos más cercanos, esta semana que viene en Espacio Ronda (Madrid):

5/20 Centro Conde Duque Biblioteca Musical Víctor Espinós, Madrid

5/21 Espacio Ronda, Madrid

5/22 Espacio La Quinta de Mahler, Madrid

5/24 Escuela de Astrorreflexología,Madrid

 

 

Shahukachi Rodrigo Rodríguez

Jacomina Kistemaker con Rodríguez

Magik cajón. El primer cajón electrónico del Mundo.

Magik cajón. El primer cajón electrónico del Mundo.
Cajón Magik Duende

Cajón Magik Duende

 El primer cajón electrónico del Mundo “Magik cajon”

¡¡La revolución del cajón está aquí!!  Duende ha hecho un gran esfuerzo para lanzar un modelo a un precio muy asequible.  Ya no necesitas llevar 30 instrumentos conitgo.

¡¡Podemos tenerlo todo en un solo cajón!! El cajón + 30

¡El primer Cajón electrónico en el mundo! Duende y ErmanitoPlay han hecho que el sueño de muchos músicos se haga realidad gracias a la Magik Cajón. Es simple y eficaz. Con su tarjeta de sonido interna el Magik cajón incluye 30 sonidos adicionales integrados en 10 bancos de sonidos para hacer que todo sea más fácil para bateristas y percusionistas, por lo que no es necesario preocuparse nunca más que por llevar su cajón y 30 instrumentos más. ¡Podemos tenerlo todo en un solo cajón!

Cajón Magik Duende

Cajón Magik Duende

El Magik Cajón está hecho a mano fabricado por los maestros cajoneros de DUENDE en Sevilla, España. El mejor sonido acústico y la mejor artesanía española está garantizado por estos pioneros del cajón. Sus 3 pads están completamente desarrollados por los mejores ingenieros e integrados en el diseño del cajón. Ofrece la posibilidad de tocar el cajón acústico o transformarlo en un cajón + 30 al enchufarlo a un altavoz. Lo mejor de todo es que no hay necesidad de transformador midi o tarjeta de sonido externa, todo está integrado en el cajón magik!

En la parte trasera se ha colocado el parche de control para elegir entre los 10 bancos de sonidos, ruleta de volumen, botón de encendido, salida de auriculares, salida de sonido stereo y mono, selector de canales (up y down), display para ver el banco elegido y pedal para cambiar de banco, además del conector de 9V AC. Todo se integra así en un solo cajón.

Puedes ver todas sus caracteríscas y precio en este enlace: http://cloudmusicstore.es/es/home/358-magik-duende.html

Festival Mantras – Ashraf Sharif / Nantha Kumar & Eduardo Laguillo

Festival Mantras – Ashraf Sharif / Nantha Kumar & Eduardo Laguillo
Ashraf Sharif Khan & Nantha Kumar

Ashraf Sharif Khan & Nantha Kumar Festival de Mantras

 

En la VI edición del Festival de Mantras 2015 han hecho que una noche más vengamos emocionados con el/los conciertos de hoy  y digo los, porque hoy hemos tenido en el escenario a 3 grandes artistas.

Ashraf Sharif Khan

Ashraf Sharif Khan Festival de Mantras

 

La Fundación Ananta hoy nos preparó para abrir el programa la actuación de una de las figuras más prestigiosas del Sitar en este momento Ashraf Sharif Khan que nos dejó a todos sorprendidos desde la primera canción que hizo en solitario bajo la atenta mirada de  Nantha Kumar que empezó a acompañarte a la tabla en el segundo tema, demostrando lo grande que  es con experiencia y sabiduría. Pues se adapto perfectamente a lo que pedía Ashraf que marcaba desde la afinación de su tabla a los Ragas que iban a tocar. Estos Ragas, no fueron todo lo largos que podían haber sido. Pero les vimos disfrutar a los dos con esas miradas de sonrisa y complicidad que los músicos tienen cuando están gozando de tocar juntos. A todos nos dejaron con ganas de más.

Nantha Kumar

Nantha Kumar Festival de Mantras

 

Y  tras una breve pausa, entro otro de los grandes músico que tenemos en España, Eduardo Laguillo, de él se pueden contar muchas muchas cosas, de hecho hemos quedado en hacerle una entrevista a fondo que os contaremos por aquí, pues sus más de 25 años en los escenarios dan para mucho.

Eduardo en esta ocasión y como en armonía con el Festival de Mantras que pretende dar y ser un mensaje más allá de las fronteras, las religiones y las razas, buscando que los seres humanos nos unamos en el Amor y la Paz utilizando la música como hilo conductor. Para ello, no podía haber elegido mejores temas que recitarnos y cantarnos poesía de Rumí, tanto al piano como a la guitarra… ¡pero no solo con eso! nos demostró lo gran músico que es tocando una balada con el Sarod, instrumento de la India con un sonido precioso… nos encanto.

Para final de fiesta, nos hizo arrancarnos a todos con unos Mantras haciendo de profe y de maestro de ceremonias, momento que disfrutamos mucho haciendo que su actuación tuviera  un final participativo y alegre¡¡

Y como ya nos tienen acostumbrados los técnicos del Teatro Fernán Gómez lo bordaron con sus ganas y saber hacer ¡vaya! un sitio para repetir en muchos conciertos, no solo para teatro.

Ashraf Sharif Khan & Nantha Kumar

Eduardo Laguillo

 

 

 

 

Festival de Mantras

Festival de Mantras
Festival de Mantras

Festival de Mantras

Tenemos una de esas citas que ocurre una vez al año y que merece mucho la pena estar atentos y tenerla en nuestro calendario anotada.

De la mano de la Fundación Ananta se pone en marcha esta VI edición del Festival de Matras  del  19 al 22 de Febrero  en el Teatro Fernán Gómez de Madrid.

La Fundación Ananta para los que aún no la conozcáis empezó su andadura  en 2004 con el ánimo y propósito  principal de difundir en el mundo de la empresa y en otros ámbitos sociales  valores relacionados con el crecimiento interior y la ayuda a los demás.

Como siempre detrás de estos proyectos hay personas que trabajan de forma altruista dando lo mejor de sí aportando un calor humano a sus proyectos.

En este momento la fundación está inmersa en 5 proyectos; sólo los enumero para no extenderme en enlace podéis ver con detalle en qué consisten por si os interesa o podéis aportar vuestro granito de arena…

Proyectos Fundación Ananta:

1- BICIS PARA LA VIDA, (Pinto) Madrid,

2- HOSPITAL RURAL GLOBAL HOSPITAL, MOUNT ABU, RAJASTHAN, INDIA

3- SEIS COLEGIOS RURALES EN QUANG TRI, VIETNAM

4- PREMIOS SOLIDARIOS FUNDACIÓN ANANTA-FUNDACIÓN ALBERTO CONTADOR, EN ESPAÑA Y EN EL MUNDO

5- TALLERES DE YOGA Y PENSAMIENTO POSITIVO EN CENTROS PENITENCIARIOS

 

Qué nos vamos a encontrar en el Festivalde Mantras… de momento y que sepamos es un Festival único en su género en España, hay algunas propuestas parecidas a lo largo del país pero ninguno así y con tantos años a sus espaldas, ni el enfoque de este de Festival. En esta edición nos acerca a la música meditativa, tradiciones ancestrales, sonidos mágicos que durante siglos ayudaron a la humanidad a conectar con su yo interior, a meditar, a explorar, a celebrar la vida en todas sus dimensiones en definitiva.

Este año la propuesta en esto 4 días nos lleva por varios continentes con músicas características de cada lugar.

Toumani Diabate

Toumani Diabate

Empezamos el día 19 con el gran el músico y uno de los más influyentes de África en la actualidad, Toumani Diabate, acompañado por su hijo, Sidiki Diabate. Una dinastía de músicos, la de los Diabate, que desde hace más de 700 años tocan un instrumento arcaico llamado Kora, cuyo sonido se asemeja al arpa que nosotros conocemos. La tradición en el uso de la kora está vinculada a la tradición de los griots, una suerte de bardos, cuentacuentos, poetas, propios de la cultura mandinga, cuya antigüedad se remonta al siglo XII.

 

 

 

Eduardo Lauguillo

Eduardo Lauguillo

El día 20 de Febrero, con dos actuaciones.

Por un lado un músico que no necesita presentación Eduardo Laguillo, músico indispensable en este país que presentará un concierto de música original sobre poemas de Rumí y mantras de distintas tradiciones bajo el título “El Canto Deseado”.  Estas son nuevas creaciones que vienen de su interés desde hace años por el aspecto más curativo y sanador del canto y la interpretación.

Por  otro lado y desde Pakistán llega Ashraf Sharif Khan, su instrumento nunca puede faltar en el Festival Mantras el “Sitar”. Ashraf es hijo del gran Muhammad Sharif Khan Poonchwala, niño prodigio que ya despuntaba con solo diez años y heredero de una tradición musical que se remonta a siglos atrás y que tiene sus raíces en la escuela “saini gharana” fundada en los tiempos del Imperio Mogol en India.

Luzcamila Carpio

Luzcamila Carpio

El sábado 21 de Febrero llega, desde Bolivia, la gran voz de los Andes, la embajadora de la cultura indígena boliviana, Luzmila Carpio. De origen Quechua-Aymara, siempre ha sido consciente de la riqueza de sus raíces y del peligro de que estas costumbres desaparezcan. Luzmila Carpio posee una voz muy particular a través de la cual interpreta himnos sagrados, oraciones dedicadas a las divinidades, a su pueblo, a la naturaleza. También al cóndor, al amor y a la fertilidad. Luzmila Carpio nos abre las puertas a un universo musical y poético prácticamente olvidado.

 

El domingo 22 de Febrero se cerrará esta edición del Festival Mantras con un concierto muy especial.

Un concierto de campanas planas llamadas “Bilas” con el único músico que tenemos por España de este instrumento creado en 1988 en Rusia por Alexander Zhikharev. Él se llama Mark Pulido, seguro que a muchos os encantará.

Mark Pulido

Mark Pulido

Las propiedades de este instrumento y su potencia sonora, permiten hacer conciertos muy especiales. La increíble duración de su sonido y el amplio abanico de armónicos y frecuencias lo hacen incomparable con cualquier otro instrumento existente. Mark Pulido descubrió estas campanas viajando por India y recorrió todo el mundo hasta encontrar al fabricante de estos sonidos. Después de años de una estrecha relación con su creador hizo su particular selección de campañas que utiliza para varios fines, conciertos, terapias sonoras, etc. Tenemos pendiente un post hablando de él y de las campanas Bilas. Os contaremos en breve…

Como veis un Festival que no tiene desperdicio y que por cierto, no tiene fines de lucro. Todos los beneficios que se obtengan serán íntegramente donados para los fines benéficos de la Fundación Ananta. Lo que valen las entradas es muy poco con lo que vais a recibir, el placer de unos conciertos únicos y saber que estáis apoyando a personas que lo necesitan…

No faltéis, allí nos veremos¡¡¡ Os dejo unos vídeos para ir haciendo boca o mejor dicho oído¡¡

Pincha en este enlace para Comprar tus entradas

Toumani Diabate

Eduardo Laguillo

Ashraf Sharif Khan

Luzmila Carpio

Mark Pulido

 

 

 

 

 

Homenaje a Ismael Peña Poza

Homenaje a Ismael Peña Poza

Hace pocos meses estuve en unas conferencias que organiza la Asociación Española Instrumenta, que se dedica al estudio y difusión de los instrumentos musicales y sus colecciones, allí a parte de pasármelo en grande y aprender un montón de cosas, me presentaron a un tal Ismael, enseguida nos pusimos a charlar con entusiasmo de un montón de cosas y quedamos en estar en contacto e intercambiar información para nuestros respectivos blogs y muros de Facebook, porque Ismael todas las semanas publica unos post que colgamos también en este blog enseñándonos algún instrumento.

Conocí a otras personas interesantes pero llegué a casa contando ¡Jo! He conocido a un Sr. que es la bomba, me daba corte hablar con él porque sabe de todo y blablablá…—, vamos que aburrí a mi sufrida esposa. Pero vaya no me he dado cuenta de lo ignorante que soy y todo lo que me queda por aprender hasta que el otro día vi que le iban a hacer un homenaje… a

 Ismael en el Museo Etnográfico de San Sebastian de los Reyes ¡caramba! ¿Pero quién es Ismael Peña Poza?, hasta el mismísimo Dalí dijo de él “Ismael es el cantante místico vertical más elevado de la Tierra”. Así que tendré que regañar a nuevos amigos que están surgiendo en estos años, enseñándome y guiándome, por no habérmelo contado antes, gente como Paco Díez, Luis Payno, Juanma Sánchez, José Benito  y alguno más…. Espero que todos me disculpéis por no estar a vuestro nivel jeje¡¡.

Así que os he preparado un resumen de la vida de Ismael para que vengáis al evento Homenaje que organiza el Museo Etnográfico El Caserón con motivo de sus 50 años de profesión dedicados con pasión y entusiasmo a la divulgación de la música y del Folk en España.

Yo quiero agradecerle públicamente que me trate con tanto cariño y comparta tanta sabiduría.

 

Quién es Ismael Peña Poza:

Ismael Peña Poza nació en 1936 en Torreadrada (Segovia), un pueblo de apenas doscientos habitantes en el que su madre trabajaba de maestra y en el que no había electricidad ni teléfono. Ese aislamiento jugó a su favor. Las mozas y mozos escribían las letras de las canciones heredadas de sus abuelas en sus libretas escolares y las cantaban en cualquier festividad. En ese ambiente extremadamente rural pasó sus primeros años. De ahí a Segovia para estudiar bachiller y a Madrid para estudiar Filosofía y Letras.

Pero Ismael puso pronto tierra por medio y en 1960 marcha a vivir y trabajar a París donde se empapa de las canciones de los cantautores franceses. Allí se dio a conocer en cafés y cabarés como cantautor, y también en salas y teatros de Suiza, Bélgica y Grecia. Durante esa década dio más de trescientos recitales con las Juventudes Musicales de Francia, no sólo en ese país, sino también en Bélgica, Marruecos, Argelia y Túnez, con su espectáculo de folclore Florilege d’Espagne. Su primer disco, titulado “Canciones del Pueblo, canciones del Rey”, incluía material extraído de cancioneros y romanceros de los siglos XV y XVI, y mereció el Grand Prix du Disque de l’Accademie Charles Cross (París, 1965).

En España siguen sin enterarse de su existencia y sólo un sello de segunda fila editó casi a escondidas alguno de sus discos. El primero que aparece por aquí es un EP: “La Tarara” (Riviera, 1966).

Pero Ismael en esos momentos ya andaba por otros rumbos, escribiendo temas propios de fuerte contenido social, entroncados en lo que llamábamos

canción protesta. “Últimas Noticias / Después del Silencio” (Movieplay, 1968) sería su primer sencillo de esta nueva faceta de cantautor. Su popularidad va en aumento, aunque las autoridades “franquistas” lo tienen en el punto de mira. Ismael será el único cantante solista que aparezca en la delirante película sicodélica “1, 2, 3, Al Escondite Inglés”  de Iván Zulueta, 1969, cantando precisamente “La Tarara”.

Ismael hará algún disco más en solitario, hasta que en 1974 debutara en un programa de TVE titulado “La Banda del Mirlitón” dedicado al folk español, que se emitía todos los sábados por la mañana. El programa se mantendrá casi cinco años en antena y será altavoz del folclore español. Dado su éxito, el cantante dedicará sus mayores esfuerzos a la creación del grupo Ismael y la Banda del Mirlitón (pronto pasaría a denominarse simplemente La Banda del Mirlitón).

La Banda Mirliton

La Banda Mirliton

A partir de la década de los 80, Ismael se entregaría en cuerpo y alma a la causa del folk español y su trabajo de campo. Recopilará numerosos objetos, instrumentos, publicaciones, canciones populares, etc. Su colección etnográfica es una de las mayores de España y ha organizado numerosas exposiciones aquí y en el extranjero. También ha dado conferencias e impartido cursos en prestigiosas universidades españolas y francesas. Entre los numerosos galardones que han venido a reconocer su esfuerzo, recibió en 1999 el Premio Nacional de Folclore.

Y sigue enseñándonos cosas desde su web La Cachacona y perfil en Facebook todas las semanas.

¡¡Gracias Ismael!!

 

Así soy Yo (Ismael Peña Poza):

 

Cuestion de Piel … 1972 (Ismael Peña Poza):

 

Ismael dónde vas carpintero (Ismael Peña Poza):

Encontraréis más información en estas webs: http://lafonoteca.net y http://www.mcnbiografias.com

 

La Fusión vista por un Flamenco…

La Fusión vista por un Flamenco…
"El Guille"

“El Guille”

Pues hoy vamos a hacer algo que no es habitual en este blog, es utilizar un texto o una opinión de uno de vosotros… Normalmente sabéis que nunca hago corta y pega, siempre me documento o pido consejos a los músicos y profesores de música que conocemos o vamos conociendo.

Precisamente el otro día que me reencontré con “El Guille” en concierto de música de la India con un flautista con Nantha Kumar, experto en música

Nantha Kumar

Nantha Kumar

tradicional de la India, empezamos a hablar de… has visto esto, has visto como suenan los cajones de…, conoces a este grupo, etc. y de ahí nos llevo a los temas de las Fusiones, si son buenas o no, nos gustan y blablabla seguimos un buen rato y Guille se acordó de esto que escribió hace tiempo y tuvo la amabilidad de ofrecerme sus experiencias y opiniones para el blog.

Así que os dejo su reflexión para que le deis una vuelta, yo comparto mucho lo que ha escrito y me encantan las fusiones hechas con sentido, con conocimiento o respeto del origen, no me vale cualquier cosa hay todos juntos. Por ejemplo hace unos meses en un post de este blog del día 19 de Febrero publicamos cosas de Joaquín Ruiz con su creación “Caravan” espectáculo increíble. Al final os pongo un  par de vídeos, el segundo precisamente de los que ocurrió en un Festival del Todocajón en el 2010, un baile de Salamanca con cajón incluido ¡Toma ya!

“La Fusión” del Guille:

Fusión es una palabra que designa acción y efecto de fundir o fundirse, mezcla de conceptos u objetos diversos, o bien, unión de diferentes.

La fusión en la música nace de la imperiosa necesidad de descubrir nuevas armonías, nuevos ritmos, y de la inquietud del músico por la búsqueda constante de nuevas fórmulas, nuevos sonidos; para enriquecerse y también beneficiar la música que uno ejecuta.

El Flamenco nació de la mezcla de herencias musicales muy diferentes procedentes de culturas legendarias muy consolidadas como la árabe, judía, gitana, íbera, etc. Esta música nació de la fusión, creció gracias a la fusión y como arte que es, está vivo y sigue prosperando y fusionándose, tomando cosas nuevas de aquí y de allá para hacer crecer, robustecer y florecer los nuevos brotes del árbol flamenco.

Al igual que otras artes como la pintura, la escultura y el resto de otras grandes músicas, no se considera folclore al Flamenco, no es una manifestación estática que siempre se hace de la misma manera, sino que como arte, crece con los tiempos y cambia con las personas. Es absurdo pretender que esta música suene y se ejecute como se hacía hace 50 años, porque ya no sería un arte, sino folclore, y como tal, sujeto al peligro de extinción al no adaptarse a los nuevos tiempos.

En el Flamenco siempre ha existido una tensión fuerte entre aquellos que no han sido partidarios de amalgamas y se han calificado de ortodoxos y, por otro lado, los que han buscado la manera de acoger nuevas armonías y rítmicas para incorporarlas a este arte. Aunque son conceptos contrarios se complementan perfectamente porque mientras los ortodoxos cuidan de una identidad muy marcada, los heterodoxos la engrandecen. El problema llega cuando esta tensión se desequilibra hacia un lado u otro de la balanza, produciéndose así periodos más estáticos, que son poco creativos, o bien periodos de mucha apertura que puede llegar incluso a desvirtuar su identidad.

Sin embargo, creo que si los músicos que fusionan son buenos conocedores de su arte, no existe peligro de que el Flamenco “pierda el norte”. Esto es así, de la misma manera que el viajero, que recorre el mundo y conoce nuevas culturas, tiene claro cuál es su hogar y sus costumbres. Sin embargo, es capaz de embellecer su casa y su espíritu con objetos e ideas de otros lugares.

Un buen ejemplo, de cómo un “flamenco” puede enriquecer este arte con un instrumento que no es propiamente flamenco, lo vemos con el auge de pianistas, violinistas, bajistas… que crecen embutidos en este marco pero optan por aportar algo nuevo. Me permito citar a mi comprade Pablo Rubén Maldonado, que con su disco “Almanjayar”, ha demostrado cómo puede sonar de flamenco un instrumento como el piano.

La auténtica fusión radica en encontrar los puntos en común que existen entre los diversos estilos musicales, para crear un puente entre ellos. Y estos los hallaremos en la rítmica y en la armonía: la multitud de escalas y ritmos contienen notas y acentuaciones comunes que serán el punto de partida de esta unión.

Armónicamente hablando el Flamenco es muy rico, pero lo es más rítmicamente. Casi siempre es posible encontrar uno de sus estilos apropiado para mezclarse con casi todas las músicas tradicionales y modernas –me atrevería a decir- de los cinco continentes. La rítmica flamenca es tan amplia y rica, que su vasto abanico puede acoger casi todas las variaciones rítmicas que imaginemos.

Los percusionistas flamencos, tenemos una doble responsabilidad: custodiar cada ritmo y acentuaciones propias de cada uno de los palos y, por otra parte, ser uno de los puntos clave de partida para hacer fusión.

“El Guille”

A mi sólo me queda añadir… Gracias por vuestras músicas, músicos, seguir creando cosas, porque vosotros hacéis que el Mundo sea más bello y a los Folcloristas, seguir estudiando y enseñándonos de dónde venimos para que no perdamos el Norte…

 

Gustavo González, Alicia González, Marcos García y Jacinto Martín nos hacen un baile serrano (Salamanca) a compás de un cajón en el el festival Danza & Tókalo.

Caravan de Joaquín Rodrigo

 

 

 

Al-Sambalus / III encuentro nacional de batucadas

Al-Sambalus / III encuentro nacional de batucadas
Cartel Al-Sambalus

Cartel Al-Sambalus

Hola de nuevo¡¡ después de unos días de vacaciones lejos del ordenador, pero nunca lejos de los escenarios y la música… tengo mucho que contaros para más post, pero entre otras cosas en estos días he hecho un montón de nuevos amigos, pero quería presentaros a Jesús Medina, otro loco de la percusión y la música que como no podía ser de otra manera tiene varias formaciones donde nos deleita con su saber hacer bien sea al mando de su guitarra y voz o detrás de los muchos instrumentos de percusión que domina. Especializado en la música cubana y brasileña me invito a tocar con ellos en el ensayo para el Festival Al-Sambalus que os presento es este post. De Jesús ya hablaremos más otro día….

Al-Sambalus es un Festival que pretender reunir a todos los grupos de batucada que hay en España, en él hay muchas cosas a destacar pero lo más importante es que tendremos varias formas de disfrutar con ellos.

Desde asistir como público en su Sambodromo por donde desfilarán los grupos participantes o bien acudir a algunos de los conciertos que darán por la noche. Podremos pasar la semana entera acampados en el camping con piscina y participar en los muchos talleres que se impartirán por la mañana, Danza Brasileña, talleres de Maracatu de Samba Carioca, Samba Reggae, etc.

Por las noches el plato fuerte viene de la mano de los grupos como Hakuna Ma Samba, Yimawa, Taifa Soun Sistema, etc… tienen preparadas sorpresas y concursos que os gustarán seguro.

Es tontería que me extienda más visitar su web y ver todo lo que han preparado. 

Así que ya sabéis si queréis acudir a la III edición del encuentro nacional de batucadas Al-sambalus se celebrará durante los días 4,5, 6 y 7 de Septiembre de 2014, en la localidad de Pedro Abad (Córdoba).

En los enlaces tenéis toda la información detallada.

La Banda Morisca

La Banda Morisca
La banda Morisca

La banda Morisca

Hoy os presentamos a un grupo que suena a Música Andalusí y Mediterráneo puro.

Este grupo está formado por músicos de distintas procedencias que convergen en las músicas de raíz y tradición, con la inquietud de experimentar y evocar la herencia cultural de la antigua al-Ándalus y su reflejo en el sonido de la actual Andalucía, el Magreb y el Próximo Oriente. Inspirado por esta herencia andalusí y por el romancero tradicional, el grupo propone una visión creativa y original de un repertorio que mezcla las influencias orientales y occidentales del Mediterráneo (moaxajas andalusíes, Chaabi, Dahmane el Harachi, Nass el Ghiwane…) con el espíritu del flamenco tradicional y del rock andaluz El Chozas, Radio Tarifa, Triana, etc.

Cartel La Banda Morisca

Cartel La Banda Morisca

Combina un montón de instrumentos tocados por músicos con muchos años de experiencia a sus espaldas. Nos vamos a encontrar con un buen set de percusión desde Bendir, riqs a darbukas con guitarra flamenca eléctrica, oud, bajo eléctrico o a Vicente Molino con instrumentos de viento con sonidos tan característicos como el ney, la zurna, flautas o el Cromormo un instrumento aerófono muy popular en el

La banda Morisca - Cromormo

La banda Morisca – Cromormo

Renacimiento que tuvo un auge a principios del siglo XX que tiene un sonido peculiar al llevar la lengüeta encapsulada, su nombre viene de una palabra alemana y significa cuerno curvado. Le acompaña en los vientos un saxo alto y soprano. Por su puesto su repertorio tiene un montón de buenas letras interpretadas por José Mari Cala.

Para mí de esos grupos que en directo se crecen y siempre te quedas con ganas de más. 

Aquí os dejo unos enlaces para que les descubráis a fondo y estéis pendientes de sus actuaciones, recorrerán nuestra piel de Toro como buenos músicos con mucha carretera y manta….

Este miércoles en la La Boca Clud en la Calle Echegaray, 11  las 21,30h. la próxima cita en Madrid, nos veremos por allí….

Enlace en Facebook: La Banda Morisca

Y en este su música: Jango/ La Banda Morisca

El Pandero Cuadrado de Peñaparda

El Pandero Cuadrado de Peñaparda

Hace tiempo que no le dedicamos tiempo a instrumentos de nuestra Piel de Toro. Hoy y después de dar muchas vueltas hasta que he preparado este artículo le toca el turno a uno de nuestros instrumentos de percusión más peculiares y característicos, además de uno de mis preferidos. Vaya por delante que la mayor parte del texto y sus datos los hemos conseguido con la inestimable ayuda de José Benito Mateos Pascual, tamborilero del famoso pueblo de Peñaparda y divulgador cultural.

Acudí a él porque tenía muchas dudas acerca del origen y de las diferencias entre otros panderos cuadrados que no son de Peñaparda, así que vámonos a meternos en materia.

El pandero cuadrado es un instrumento peculiar del occidente peninsular: Asturias, Galicia, provincia de León, Tras-os-Montes y Beira Interior (Portugal), Peñaparda (Salamanca), Berzocana (Cáceres), Aceúchal (Badajoz), Encinasola (Huelva) y Valle de Urgell (Lleida).  Según el etnógrafo mirobrigense José Ramón Cid Cebrián, los mayores le han asegurado que en otros pueblos de la comarca de El Rebollar (donde se encuentra enclavado el pueblo de Peñaparda) también se utilizaba. De hecho, en otra localidad rebollana, El Payo, se toca la sartén con los mismos ritmos que usan en Peñaparda para el pandero cuadrado.

Conocido simplemente como “panderu” en la “palra d’El Rebollal” (la variedad local de la lengua leonesa), se compone de un bastidor de madera (“aru”) forrado de piel de cabra. Antiguamente se hacía de piel de cabra vieja porque, evidentemente, no ibas a sacrificar una joven para hacer un pandero. Por dentro, cruzadas sobre el “aru”, van unas cuerdas que actúan a modo de bordón. De las cuerdas suelen colgar unos cascabeles o unos cencerros pequeños, y al conjunto interior lo acompaña unos cuantos “frejonis” (frijoles) o “garbanzus”. Todo ello acompaña al sonido durante el toque.

Panderos del Museo Paco Diez

Panderos del Museo Paco Diez

Sobre el origen del pandero cuadrado, hay varias teorías, desde los que lo consideran de origen árabe hasta los que lo consideran de origen astur-leonés. En mi modesta opinión, es esta opción astur-leonesa la que más se puede acercar a la realidad. Creo que el pandero cuadrado tiene este origen septentrional por varios motivos:

–         Su distribución geográfica es occidental y coincide prácticamente con la máxima extensión de la Corona Leonesa (Galicia, Asturias, León, Extremadura, Portugal y Huelva). La mayor densidad y conservación es en el norte peninsular, lo que puede indicar el origen norteño del instrumento. A modo de ejemplo, griegos hay repartidos por todo el mundo pero, como es lógico, donde más griegos hay es en Grecia, su lugar de origen. El instrumento bajaría con las repoblaciones medievales durante la Reconquista. Es lógico pensar que la gente que bajó a repoblar traía consigo su cultura, dentro de la cual estaría incluido el “panderu”.

–         De haber tenido un origen árabe, su extensión sería, dentro de la Península, prácticamente “universal” y se conservaría, especialmente, en el sur peninsular, donde más tiempo pasaron los musulmanes. Sin embargo, el pandero cuadrado se conserva, precisamente, en aquellos lugares donde la presencia musulmana fue nula o prácticamente testimonial.

–         Los musulmanes que llegaron a la Península eran fundamentalmente guerreros, lo que no dejaría mucho lugar para la música. Un instrumento tan voluminoso como el “panderu cuadráu” (del tamaño de un escudo) sería un estorbo para un soldado. Además, los soldados eran mayoritariamente (por no decir en su totalidad) hombres, lo que contrasta enormemente con el hecho de que, hasta los tiempos actuales, el pandero era tañido exclusivamente por mujeres.

Tia Gora 109 años

Tia Gora 109 años

Tradicionalmente en Peñaparda se han tocado tres ritmos principales:

–         “Ajecháu”, de la familia del charro.

–         “Salteáu”, de la familia de la charrada.

–         “Corríu”, de la familia de la jota.

Con estos tres ritmos se hacía el baile. Con el ritmo de “ajecháu” se tocaba el baile del mismo nombre, también conocido como “el primeru” por ejecutarse en primer lugar. Con el ritmo de “salteáu” se tocaba el baile con ese nombre, conocido también como “sorteáu”. Con el tercer ritmo se toca el “corríu brincáu” (que tiene ese nombre porque hay otro tipo de corrido no brincado). Los ritmos de pasacalles y de ofertorio, también tradicionales, no se hacían con el pandero, sino con la gaita y tamboril. En la localidad vecina de Peñaparda, El Payo (Payu) se toca la sartén con los mismos ritmos, conocidos allí como “charrá primera”, “charrá segunda” y “fandangu”.

El pandero en Peñaparda, tradicionalmente con una porra (baqueta) similar a la que usan los tamborileros. Se coloca en forma de rombo sobre la pierna, que previamente está apoyada en un “sillu” (una silla baja sin respaldo). Con una mano se le da al pandero por delante con la porra y por detrás con la otra mano, de forma que los golpes de porra en el parche, aro y por detrás con la mano dan la posibilidad de muchas combinaciones rítmicas. En las demás zonas de la Península se tocan únicamente con las manos, apoyando el pandero en el pecho (de ahí su nombre en Galicia: “de peito”).

Las diferencias entre los panderos de la Península es mínima, algo lógico al tener el mismo origen. De todos modos, podemos encontrar algunas:

–         Los panderos de Peñaparda están hechos de piel de cabra. Otros tipos de piel más débiles (como la de oveja utilizada muchas veces) no aguantarían el toque con la porra.

–         Debido al estilo de toque, los panderos cuadrados de Peñaparda poseen lo que se llaman “raberus”, en los que se introduce el pulgar de la mano que sujeta el instrumento y que ayuda, además de a la sujeción del mismo, al movimiento de la mano que sujeta.

–         En el interior de los panderos, en Peñaparda, se introducen unos cascabeles y unos garbanzos o unos “frejonis”, cosa que no se hace en otros lugares.

Construccion Pandero

Construccion Pandero

Como hemos visto, son muchos los lugares donde se toca el pandero cuadrado. Lo que hace especial al de Peñaparda es la manera de tocarlo, con esa porra. Tan especial que, los panderos tocados de ese modo, reciben el nombre de pandero cuadrado de Peñaparda, independientemente del lugar donde estén construidos.

En los últimos años ha habido un resurgir de este instrumento, y son muchos los grupos y artistas dedicados al folklore que lo incluyen dentro de su repertorio o de sus instrumentos principales. Entre los solistas cabe destacar a Eliseo Parra y a Vanesa Muela. Entre los grupos, lo han usan entre otros La Musgaña, Coetus o los salmantinos Mayalde y Folk on Crest. Lógicamente, éstos son sólo unos ejemplos, pues son muchos, tanto solistas como grupos, que lo incluyen en su música. Estos artistas, y el hecho de que se siga utilizando en Peñaparda para el baile tradicional, auguran una larga vida para este peculiar instrumento.

Como vemos los Panderus están hechos siempre de forma artesanal, no los encontraremos en los catálogos de las marcas de percusión conocidas, debemos acudir a comercios especializados como Cloud Music Store que tiene una selección de instrumentos fabricados a mano por los mejores luthieres de España. Y por cierto, también tienen montado unos Talleres de fin de semana para tomar contacto con el Pandero en el pueblo de origen.

¡Larga vida al pandero!

Os dejo unos links con unos vídeos muy chulos…

 

http://www.youtube.com/watch?v=HM8ty8h-i1Q